Faire le déplacement de l’illustration à l’animation

Faire le déplacement de l’illustration à l’animation

4 mars 2014 Non Par stephanie

Cinq étapes qui font une transition réussie de l’illustration à l’animation. Comment le processus a fonctionné ?

Le passage d’illustration à l’animation est logique. Des améliorations dans les logiciels – l’intégration, facilité d’utilisation, le coût – signifie la transition est plus facile que jamais. Et il vaut mieux être adaptable. La capacité à offrir des services que vous une proposition doublement attrayant pour les clients potentiels fait, et vous donne un plus grand contrôle créatif sur votre travail.

Le passage du statique aux images en mouvement, cependant, ne sont pas nécessairement aussi simple qu’il y paraît. Alors que les disciplines respectives partagent bon nombre des mêmes compétences et les outils – le même ADN si vous voulez -, ils restent distincts. Un illustrateur accompli est pas certain de faire un animateur qualifié comparable. Stills, mais bon, il est difficile d’augmenter d’une manière telle que pour devenir captivant des images en mouvement.

Progression logique

Mais de nombreux illustrateurs ont fait avec succès le commutateur – Alors, comment ont-ils aller de traduire un morceau d’illustration dans une animation crédible? Et, plus important encore, comment pouvez-vous?

« Je suppose qu’il y a une progression logique pour nous», dit Becky Bolton, qui travaille en collaboration avec Louise Chappell que de bonnes épouses et les guerriers. «Notre travail est assez complexe et stratifiée, si le mouvement ajoutant donne vraiment une nouvelle dimension et passionnant. »

Complexes, illustrations abstraites du duo ont trouvé des clients dans la vodka Absolut, Adidas et Swatch – et maintenant ils faire le déplacement dans l’animation.

Travailler avec Swatch

Il était leur projet avec Swatch, le plus grand fabricant de montres au monde, qui a d’abord la paire à l’animation. Dans le cadre du projet, ils ont créé des décors pour une collection du créateur de mode Manish Arora qui ont animé pour MTV.

« L’animation vraiment monté le style de dessin, et nous avons aimé voir tous les éléments viennent à la vie», explique Bolton. »Plus récemment, nous avons eu quelques dessins animés pour certaines annonces en ligne, et une vidéo de musique.

« Il était assez simple: nos formes, certains modèles de prise de vue à partir de la chanteuse, quelques petites illustrations d’oiseaux qui volent autour – ce genre de chose. »

Le duo a été invité à exposer à un spectacle à Copenhague. Ils ont l’intention de faire une pièce sculpturale et animations de leurs dessins du projet sur chacun de ses côtés, qui ils vont créent eux-mêmes, en utilisant des techniques assez simples au début, mais de plus en plus ambitieux, afin de parfaire leurs compétences.

Les deux Bolton et Chappell voient leurs animations que le maintien de la qualité abstraite de leurs illustrations; comme des images animées plutôt que d’un récit structuré. « Nous avons aimé l’idée d’une personne se déplaçant à travers notre monde dessinée à la main», dit-Chappell. « Avec l’animation, vous pouvez être fantasque et fantastique, qui a vraiment des appels. »

Importance du moment

Cela est contraire à l’éthique d’un animateur expérimenté. « En faisant le déplacement dans l’animation», explique Dylan Blanc, »les compétences essentielles pour un illustrateur à développer sont la conception et le calendrier. »

Blanc est à la fois un directeur d’animation et d’un illustrateur, travaillant avec des clients comme la BBC, label Rough Trade et Aardman Animations. Lui aussi, il répond à un bref en laissant courir son imagination sauvage. Mais dans son travail, le récit est roi.

« Certains des meilleurs graphiques de mouvement sont bubblegum pure», il affirme. « Mais dans mon propre travail, la narration est la clé. Même si elle est juste des bouts ou des fragments d’idées, je commence par l’écriture. »

Blanc souligne l’importance d’une bonne histoire cohérente, mais dit animateurs ne doivent pas nécessairement être des scénaristes. Il a récemment fait équipe avec Tim avenir, un écrivain dont les crédits script inclure le travail pour la BBC et Channel 4.

Ensemble, ils ont créé le brillant court métrage Yowie et de la pie, l’histoire d’un monstre surnaturel du folklore autochtone, qui a été nominé pour le prestigieux prix McLaren Animation Festival international du film d’Édimbourg. Illustrateurs de quelque chose doit apprendre pour eux-mêmes, Blanc insiste, est de savoir comment faire preuve de retenue.

Des détails de surface

«Lors de la conception d’une image fixe, » dit-il, « il est amusant de travailler vers le haut avec beaucoup de détails de la surface. Si un illustrateur fonctionne de cette façon pour l’impression, ils peuvent avoir une tendance similaire à emballer beaucoup d’informations dans chaque image lors de la conception pour l’animation, qui peut être très difficile à lire. En mouvement, il ya une limite naturelle à la quantité d’informations de l’œil humain peut absorber. animation bien conçus peuvent orienter l’œil à certains endroits, faisant allusion à plus en détail sans avoir besoin de le poser sur si épais. Moins est souvent plus. « 

Blanc formé comme un cel animation 2D, et maintient une approche assez traditionnelle à son travail. Il trouve travaillant sur son ordinateur contre-productif au stade des idées, de sorte qu’il colle à croquis et storyboards miniatures.

De là, il est à After Effects pour bloquer le moment, qu’il combine avec Flash pour l’animation elle-même. Le mode d’animation dans Photoshop est de plus en plus populaire auprès des animateurs, mais Blanc sent qu’il manque des fonctionnalités, notamment en termes d’exportation vers, et l’intégration avec, d’autres logiciels.

« After Effects est beaucoup plus stable et plus polyvalent que de Flash et Photoshop, » il raisonne, « mais les outils de dessin sont assez terrible, donc mon flux de travail est souvent une combinaison des trois.« 

La pratique rend parfait

Les aspects techniques de l’animation peuvent être développés avec la pratique. Ce qui est essentiel, White dit, est de maintenir votre individualité et être affecté par vos contemporains.

« Il est devenu presque trop facile d’être influencé stylistiquement par nos pairs», dit-il. «Je fais un réel effort pour réduire il.

« Si nous regardons tous Vimeo et Motionographer tout le temps je crains choses deviennent un peu vers l’intérieur. La meilleure source d’inspiration semble venir d’au-delà de votre propre discipline. Comme illustration, jouer à vos points forts. »

Approche narrative

Le travail de Simon Spilsbury a attiré l’attention de tout le monde de le Guardian et le Times à Nike et Virgin – pour ne pas mentionner les juges de la D & AD crayon jaune et l’Association des Illustrateurs Images récompenses. Il se décrit comme «principalement un exposant de la ligne », mais a travaillé sur de nombreux projets d’animation. Parce que son travail a un sens narratif, il n’a pas fait un effort conscient pour développer les compétences scénaristiques ou senti la nécessité de collaborer avec un scénariste.

« Je ne développe pas vraiment une illustration en une animation», explique Spilsbury. « Il est une seule et même chose. Je pense toujours mon travail doit se déplacer. Je dessine très spontanément et très rapide, et quand vous filmez ce processus il se déplace pratiquement toute façon. »

Alors qu’il ne lui-même un « grand conteur » soi considère pas, Spilsbury ne croit que cette compétence particulière peut se révéler cruciale quand il vient à animer. « Vous ne devez avoir un peu de compréhension pour mettre la matière sèche dans un récit – en particulier pour des trucs commerciaux, publicités et ainsi de suite, où vous devez être très concise, » il réfléchit. « Le timing est crucial – qui est où l’animateur vient en son propre. »

Il est également important de travailler avec les bonnes personnes. Trop souvent, Spilsbury dit, l’équipe des illustrateurs avec animateurs incompatibles. Il a collaboré avec l’animateur indépendant Simon Deshon – un partenariat qui leur convient à la fois. «Avoir Simon dans le studio à temps plein a définitivement m’a ému, » dit-il. « Mes dessins se prêtent à son mouvement, et vice-versa. »

Mais dans l’ensemble, Spilsbury croit que le mouvement de l’illustration à l’animation n’a jamais été plus réalisable: « Comme la technologie devient plus avancé, l’ensemble du processus devient plus faisable est rarement le budget assez grand pour vous permettre de devenir indulgent – qui me convient, comme mon. la ligne est très lo-fi. Donc, les délais d’exécution de ces jours sont très rapides.

« L’outil de marionnettes dans After Effects remplace facilement arrêter-cadre et tribune, et toutes les difficultés qui se posent généralement découlent de moi étant pointilleux quant à qui reproduit véritablement 25fps. »

Contrôle de qualité

Richard Barnett convient qu’il n’a jamais été plus facile de faire une image mouvement statique, mais pense contrôle de la qualité est maintenant la question. « Vous auriez pensé que si vous pouvez dessiner, vous devriez être capable de le faire bouger, » il suggère. « Et vous pouvez. Mais il est bien le faire ce qui est important. »

Barnett est directeur général et producteur au studio d’animation primé Tronc. Attirer des clients tels que les Rolling Stones, la BBC, MTV et Universal, la société de production d’animation fonctionne partout cinéma, la télévision, les publicités, vidéos musicales, des projets interactifs et visuels tournée.

Chaque style illustratif est adapté à une technique d’animation particulière: pour les personnages complexes, il est plus simple d’utiliser des découpes numériques; Flash est le meilleur pour les dessins au trait simples; After Effects pour les graphiques de mouvement; et enfin Cinema 4D pour des effets plus avancés.Mais l’aspect de l’animation Barnett revient toujours à un mouvement. Correspondant à un style d’illustration avec le bon programme est sans valeur sans avoir une solide compréhension de mouvement.

Regardez comment les choses fonctionnent

« Comme la plupart des pratiques aux enchères, à regarder est un outil clé – étudier transférant le poids, la façon dont les choses évoluent effectivement, le solde d’un objet ou une personne, » explique Barnett.

« Une fois que vous pouvez faire quelque chose de se déplacer de façon convaincante, et vous avez eu le coup du programme dans lequel créer, alors vous devez penser à développer vos compétences contes et de direction – qui est bien sûr en fonction de si vous voulez vraiment apprendre à raconter vos propres histoires, ou plus simplement, travailler comme animateur sur les projets des autres.

« Si il est l’ancien, puis comme tout, il est préférable de commencer par le commencement. Ecrire des histoires simples, ou de prendre une courte histoire simple et pratique de travail vers le haut dans un storyboard. Voyez si vous pouvez raconter une histoire en utilisant simplement une combinaison des images.

« Considérez comment chacune de ces images contribue à votre histoire, et la meilleure façon de présenter cette scène comme si la prise de vue sur un appareil photo. Puis commencer à prendre ces images dans les stades animatique, le moment combien de temps vous voulez rester à chaque tir, et compte tenu ce que vous voulez le spectateur à penser ou ressentir à ce moment particulier dans l’histoire.

« Il y aura une accumulation lente au long du film? Est-ce une courte scène longueur rapide et Quick-coupes type de pièce? » Il sourit: « Le monde est votre huître, mais l’étude de techniques de narration et de réalisateur serait un très bon départ. »